Certification professionnelle

Objectifs et contexte de la certification :

La certification d’Artiste de théâtre corporel pluridisciplinaire, vise à certifier des compétences liées à la danse, au jeu théâtral, à l’interprétation d’un rôle, à la composition chorégraphique, l’improvisation et à la création et la mise en scène dans le cadre du spectacle vivant. Ce secteur créatif évolue rapidement, entremêlant les acquis pour des formes de création pluridisciplinaires, dynamiques et expressives afin de pouvoir satisfaire un public de plus en plus curieux et exigeant. Dans ce contexte, l’objectif de la certification est d'apporter à l’artiste de théâtre corporel l’ensemble des compétences nécessaires à l’exercice de ce métier, à savoir une polyvalence, une créativité, une autonomie, et une connaissance du secteur du spectacle vivant. Elle cible, également, d’autres aspects du métier tels que l’économie du spectacle, la conception et l’organisation de projets artistiques et culturelles, la gestion de carrière et la sécurité au travail, assurant une meilleure compréhension des enjeux et des spécificités de la vie artistique. La certification Artiste de théâtre corporel apportera aux futurs artistes protéiformes un niveau supérieur de compétences afin qu’ils puissent entrer intelligemment dans le monde du spectacle vivant et sécuriser leur parcours professionnel en augmentant leur employabilité.

Activités visées :

Interprétation des rôles du théâtre corporel

Improvisation chorégraphique et théâtrale

Développement des capacités et des qualités d’artiste-interprète de théâtre corporel

Création de compositions pluridisciplinaires (danse, théâtre, mime etc.), chorégraphie et mise en scène 

Initiation et développement d’actions culturelles

Production et diffusion de projets artistiques

Perfectionnement et gestion de sa carrière d’artiste de théâtre corporel

Compétences attestées :

Danser et jouer dans un contexte donné (devant un public ou dans le cadre d’un processus de recherche artistique), en mettant en relation les différentes techniques chorégraphiques (danse classique, contemporaine, hip-hop) et théâtrales, afin de construire un rôle de théâtre corporel.

Établir une relation entre un texte et une chorégraphie afin d’élaborer l’interprétation de son personnage en fusionnant dans un même temps texte et danse.

S’engager émotionnellement et corporellement et trouver la juste distance afin d’assurer la fiabilité de l’interprétation en gérant sa palette émotionnelle.

S’adapter aux modifications afin de gérer les impondérables ou l’évolution d’une vision artistique.

Danser / jouer avec différents partenaires, en faisant preuve d’écoute, d’inventivité et de rigueur, afin de s'engager dans une prestation collective.

Travailler avec différentes ressources disponibles (transmission directe, enregistrements vidéo, notation) afin d’apprendre un rôle.

Élargir sa culture générale des arts afin de disposer d’un vocabulaire enrichi lors des improvisations chorégraphiques et théâtrales.

Improviser en fonction des consignes, afin d’affiner sa créativité́ et réactivité, en se servant de sa culture générale, de la connaissance de sa gamme d’expression, et sa capacité à émouvoir.

Improviser en fonction de son public afin d’établir un lien d’écoute et d’échange avec le public, en faisant preuve de souplesse, d’adaptation, d’assimilation rapide des impératifs techniques et humains.

Mettre en place un entraînement régulier et faire appel aux techniques de relaxation afin d’entretenir sa condition physique et technique.

Se préparer mentalement (gérer son stress) et physiquement (échauffement) avant la répétition, la représentation ou la démonstration afin d’interpréter son rôle dans les meilleures conditions.

Identifier les situations à risques liées à l’environnement (sol glissant, spectacle plein air, température trop basse ou élevée, horaires décalés, travail le soir) et/ou à la nature du mouvement (portés, acrobaties, danser sur un élément de décor...) afin de limiter les risques liés à la fatigue ou aux traumatismes corporels.

Gérer un calendrier, retro planning, feuille de route, horaires décalés, afin d’organiser son travail personnel en fonction des priorités.

Réaliser une note de synthèse afin de présenter le thème ou l’argument d’une composition personnelle alliant danse et théâtre, en s’appuyant sur un scénario, des dessins ou des extraits d’œuvres.

Découper en acte ou en tableau le thème ou l’argument d’une composition personnelle pluridisciplinaire afin de structurer le rythme global.

Évaluer l'espace scénique afin d'adapter la mise en scène.

Choisir les décors et les costumes afin de répondre à la ligne artistique.

Déterminer l'éclairage du projet afin de définir l'univers visuel du projet en utilisant des termes précis.

Décomposer les mouvements, les enchaînements d'une chorégraphie afin de définir une méthode de transmission

Diriger l’interprétation des artistes afin de préciser la qualité du rôle ou de la gestuelle.

Trouver l’univers musical afin de l’associer à une composition personnelle pluridisciplinaire (danse, théâtre, mime) à élaborer.

Construire et organiser les déplacements dans l’espace scénique afin d’élaborer une composition personnelle alliant danse et théâtre.

Concevoir une mise en scène d'une composition personnelle alliant danse et théâtre, afin de la présenter devant un public, en utilisant le vocabulaire spécifique des différentes techniques.

Développer et animer des interventions ou des actions culturelles, afin de permettre aux publics visés (tout public, jeune public, milieu hospitalier, milieu carcéral...) de développer leur créativité, sensibilité́ ́ artistique, pratiques chorégraphiques.

Construire son intervention en complémentarité des autres Intervenants et en tenant compte de leurs spécificités (amateur/professionnel, domaine : art plastique, art digital, musique…) afin de réaliser des projets complexes (spectacles, installations, expositions, présentations…).

Adapter un projet artistique en prenant en compte les spécificités des différents lieux ou espaces impartis (école, musée, hôpital, extérieur / intérieur, sur scène...) afin de répondre aux contraintes des organisateurs

Définir et identifier les aspects juridiques, techniques, budgétaires et règlementaires (contrat de cession, de coréalisation, lumière, son, plateau, budget prévisionnel, embauches intermittents, TVA), afin de produire/diffuser un projet alliant plusieurs techniques artistiques.

Créer et publier des supports de communication (brochure, affiche, site internet, page Facebook, réseaux sociaux, sites spécialisés) et établir une stratégie de communication et de relations publiques pour faire connaître le projet auprès du public et des futurs partenaires.

Identifier les types de partenaires potentiels (producteurs, diffuseurs, acheteurs, financeurs publics / privés) et préparer un argumentaire en analysant leurs attentes, afin de financer et réaliser le projet.

Planifier les étapes de la réalisation du projet artistique, en établissant un retro planning (tâches à effectuer, durée, étapes, ressources), afin de garantir le taux de faisabilité dans un temps imparti.

Déterminer ses objectifs professionnels d’artiste de théâtre corporel afin de construire un plan de carrière à long terme.

Créer un book, se préparer à une audition, un concours, un entretien afin de répondre aux exigences du marché de travail du spectacle vivant et valoriser son parcours.

Gérer les aspects règlementaires du statut d’intermittent du spectacle (cachets, contrat de travail, ruptures des contrats, travail en discontinu, inscription Pôle emploi, syndicats spectacles, AFDAS) afin de faire respecter ses droits et ses intérêts professionnels, en étant autonome dans la gestion de sa carrière.

Développer des stratégies de recherches d’emploi (cibler des propositions artistiques, contacter les employeurs de façon adaptée, se préparer aux auditions, travailler avec un agent) afin de trouver et saisir des opportunités de développement de carrière.

S’autoévaluer et se situer professionnellement pour faire évoluer ses compétences en fonction des besoins du marché en ayant une bonne connaissance du secteur du spectacle vivant.

Identifier les acquis utilisables (artistiques, organisationnelles), afin de faire évoluer sa carrière, envisager une reconversion ou une réorientation professionnelle.

Modalités d'évaluation :

Mises en situation professionnelles (interprétation, improvisation, création)

Note de synthèse chorégraphique

Développement de projet artistique

Création d'un book

Entretien avec le jury